Pense au réveil d’un enfant

Vendredi 14 juin, j’ai eu a chance de présenter ma nouvelle scénographie à vivre pour le vernissage de Visages de l’innocence .
Cette exposition, que vous pouvez aller voir jusqu’au 22 Septembre 2019 à l’espace culturel de Barbizon, est proposée par la Besharat Galerie.
Elle présente des portraits d’enfant pris par le photo-reporter Steve Mccurry.
Ce sont, pour la plupart, les mêmes photos utilisées dans le projet  Art in school  de la fondation Besharat dont je vous ai parlé dans mon article Quand l’art s’invite dans les écoles !

Le travail coopératif de Monsieur Besharat et du photographe Steve McCurry qui consiste à rendre accessible l’art dans les écoles et à sensibiliser les élèves à la bienveillance, est au cœur de l’exposition Visages de l’innocence .
Pour raconter l’histoire des photos,  lors du vernissage , je devais donc aussi, raconter l’histoire du projet de la fondation.
Pour ce faire, ma création Pense au réveil d’un enfant, est né de la participation des élèves de l’école de Barbizon. C’est en effet la première école française à avoir accueilli le projet de Monsieur Massoud Besharat. De plus, l’exposition se passant à Barbizon, leur participation était une évidence.

Pour mes scénographies à vivre, je pars de l’équipe qui va rendre vivant l’univers de l’exposition. Les grandes lignes sont claires et précises pour moi, mais je suis attentive à ce qu’on me propose. Il est même indispensable pour moi que toutes les personnes qui m’entourent lors de la création apportent un bout de ce qu’ils ont et de ce qu’ils sont . Pour que les créations fonctionnent, il faut qu’elles soient le fruit d’un partage.
Pour Pense au réveil d’un enfant, les enfants est moi, nous avons créé ensemble l’histoire  de la scénographie à vivre. Notre objectif était de rendre palpable l’univers des photos de Steve McCurry et celui du projet Art in school.
Après un travail scolaire avec la directrice de l’école, les enfants ont pu exprimer leurs ressentis et les partager avec un public d’adultes étonnés et attentifs.

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C’était l’une de mes plus belles expériences humaines ! Créer avec des enfants  un projet culturel de cette ampleur en dehors des murs de l’école a été très enrichissant !
Cette expérience m’a permis de rencontrer de belles personnes et de renforcer mon désir d’aller plus loin dans mon projet scénographique .
J’ai également compris que je pouvais lier deux besoins essentiels pour moi :
le besoin artistique de création d’un côté et l’autre, et le besoin de partager mes expériences , ce que j’ai appris pour donner du sens à ce que je fais et à ce que je reçois.
J’espère alors avoir l’opportunité d’intégrer une nouvelle fois les enfants à mes scénographies à vivre.

En attendant, je pars à la conquête de Rome !
Cela fait des années que je sens que je dois y aller.
Aujourd’hui, en cette veille de départ, j’ai l’impression d’aller à un rendez-vous prévu depuis toujours.
J’ai hâte de partager avec vous ce voyage dans le temps, l’art et les saveurs chaleureuses pleines de soleil !

Rome m’attend, Rome j’arrive !

Je suis Mélina Gabler, je sais où je vais. Et vous ?

Le plus des petits curieux :
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English version

 Think of the awakening of a child

Friday, June 14, I was lucky to present my new scenography to live for the opening of Faces of Innocence.
This exhibition, which you can see until 22 September 2019 at the Barbizon cultural space, is proposed by the Besharat Gallery.
She presents child portraits taken by the photo-reporter Steve Mccurry.
These are, for the most part, the same photos used in the Art in School project of the Besharat Foundation which I told you about in my article When Art Invites in Schools !

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Mr Massoud Besharat and children

The collaborative work of Mr. Besharat and photographer Steve McCurry to make art accessible in schools and to educate students about benevolence is at the heart of the exhibition Faces of Innocence.
To tell the story of the photos, during the opening, I also had to tell the story of the project of the foundation.
To do this, my creation Think of the awakening of a child, is born from the participation of the students of the school of Barbizon. It is indeed the first french school to have welcomed the project of Mr. Massoud Besharat. In addition, the exhibition taking place in Barbizon, their participation was obvious.

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For my scénographie à vivre , I start with the team that will revive the universe of the exhibition. The outline is clear and precise for me, but it is essential for me that all the people around me during the creation bring a piece of what they have and what they are. For creations to work, they must be the result of sharing.
To Think of the awakening of a child, children and I , we created together the story of the scénographie à vivre . Our goal was to make the world of Steve McCurry’s photos and the Art in School project palpable.
After school work with the school principal, the children were able to express their feelings and share them with an audience of astonished and attentive adults.

It was one of my most beautiful human experiences! Creating with children a cultural project of this magnitude outside the walls of the school has been very rewarding!
This experience allowed me to meet beautiful people and strengthen my desire to go further in my scenographic project.
I also understood that I could link two essential needs for me: the artistic need for creation from one side to the other, and the need to share my experiences, what I learned to make sense of what I do and what I receive.
I hope then to have the opportunity to integrate children once again into my scenography à vivre.

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In the meantime, I’m going to conquer Rome! It’s been years that I feel I have to go.
Today, on this eve of departure, I have the impression of going to an appointment planned forever.
I can not wait to share with you this journey in time, art and warm flavors full of sunshine!
Rome is waiting for me, Rome I’m coming!

I’m Melina Gabler, I know where I’m going.What about you ?

To the curious little ones :
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Le Machin du monde derrière le monde

C’est dans son atelier parisien qu’Antonio Cacciatore m’a invité à déguster des mets italiens concoctés par ses soins pour un entretien en toute simplicité. J’étais très curieuse qu’il me raconte son histoire, qu’il m’explique sa quête.
Le parcours atypique d’Antonio Cacciatore s’établit car ce peintre a commencé la peinture tardivement. Pendant longtemps il travaillait pour de grandes entreprises en tant que consultant à l’autre bout du monde. Comme la vie est bien faite, le fruit de certaines rencontres l’ont amené à la peinture et depuis environ 12 ans, il a commencé à peindre pour explorer son monde intérieur.

Quand on regarde le travail d’Antonio Cacciatore dans sa globalité, on se rend compte de la présence de certains leitmotivs qui reviennent s’en cesse comme le silence.
Dès que je regarde ses tableaux, je suis d’abord abasourdie par le silence ! Un profond silence qui me projette dans un lieu et un temps en dehors de la réalité. C’est comme si j’étais devant un miroir qui reflète non pas mon image physique mais plutôt mon image intérieure. 
Qu’est-ce qui me fait ressentir ça ?

the cotton path huile sur toile 165cm*114cm 2014
The cotton path huile sur toile 165cm*114cm par Antonio Cacciatore –                                            Mélina Gabler Scénographies à vivre.

L’artiste m’explique alors qu’il s’amuse à manipuler la temporalité de ses tableaux en déformant les images qu’il peint. Grace à cette déformation temporelle, il est impossible pour ceux qui plongent leur regard dans ses images, de se repérer dans le temps, ou dans un espace bien définit, et donc de reconstituer le fil d’une histoire particulière. En effet, il n’y pas vraiment une histoire de racontée, les toiles de l’artiste donnent aux spectateurs le pouvoir de choisir l’histoire, de se raconter sa propre histoire.

« La peinture elle doit être universelle [je trouve qu’une peinture qui n’est pas universelle, elle n’a pas de sens []   il faut que ça raisonne, si ça ne raisonne pas, ça devient de la décoration. »

 Comme pour le cinéma, tout est là, dans une seule image. Ses personnages sont comme des marionnettes qu’il déplace pour satisfaire son œil, son intention intérieure sur laquelle il n’a pas forcement de prise.

« La forme est là pour que le fond passe. »

Après guerre huile sur toile 130cm*90cm 2009 collection particulière
Après guerre huile sur toile 130cm*90cm 2009 par Antonio Cacciatore collection privée –           Mélina Gabler Scénographies à vivre.

Les personnages vivent dans les paysages oniriques du peintre, sans rentrer en relation les uns avec les autres. Le temps qui se déroule dans les toiles est relatif à chacun des personnages, il est totalement personnel, unique, c’est le temps du Kairos. Pour les Grecs, c’est le temps vertical, le temps que chaque être humain ressent personnellement.
Le silence qu’instaure le peintre dans ses compositions, avec notamment ses personnages isolés et ses immenses espaces presque vides, devient le silence intérieur de chacun. C’est le silence de la réflexion, de l’introspection. Les personnages et les espaces raisonnent….nous font raisonner.

jour 2 huile sur toile 100cm*100cm 2016
Jour 2 huile sur toile 100cm*100cm 2016 par Antonio Cacciatore –                                                  Mélina Gabler Scénographies à vivre.

Les peintures d’Antonio Cacciatore sont alors des espaces intérieurs de questionnement personnel intérieur, où se trouve le machin, cette information quantique, qui fait de nous qui nous sommes, et qui nous relie au monde grâce aux énergies universelles :

« Ce « machin » est en nous, on l’occulte dans nos société (…) d’origine ésotérique, religieux, ce machin est une chose fondamentale qui fait partie de ce qu’on n’est. »

La quête du machin, c’est la quête de réalité de l’artiste. Le monde sensible dans lequel nous vivons est-il bien la réalité ? C’est ce questionnement, comme peut l’illustrer le mythe de la caverne de Platon, qui habite Antonio Cacciatore et qui fait de ses compositions des images pas tout à fait figuratives, mais pas non plus tout à fait abstraites.
La peinture est devenue le médium qui lui permet d’explorer et de questionner son propre machin, sa perception de la réalité du monde que nous sommes tous accoutumés à voir : ce monde derrière le monde ; celui qui n’est ni matériel ni physique. 

La justice huile sur toile 120cm*120cm 2010 collection particulière
La justice huile sur toile 120cm*120cm par Antonio Cacciatore –               Mélina Gabler Scénographies à vivre.

Notre monde, notre réalité est donc pour le peintre est énigmatique.
L’énigme est un deuxième leitmotiv qu’on peut retrouver dans ses œuvres et c’est certainement cet espace énigmatique qui permet à des artistes d’autres milieux artistiques de lui passer commande.
En effet, un réalisateur de film et un écrivain de pièces de théâtre, ont chacun demandé à l’artiste de créer une toile spécifiquement pour leur création.
Dans un premier temps, c’était pour un aspect plutôt esthétique, mais un peu plus tard et avec du recul, les toiles commandées ont fini par jouer un rôle à part entière dans les histoires racontées.
Dans le long métrage par exemple, l’œuvre devait apparaitre une seule fois mais, finalement, elle suit le personnage principal et prend une grande place à l’écran. Elle devient alors un personnage à part entière qui bouge, et qui permet une mise enabîme des évènements et des autres personnages du film.

le matin dans la vie (1) huile sur toile, 135cm * 80 cm 2016
Un matin dans la vie (1) huile sur toile, 135cm * 80 cm 2016  par Antonio Cacciatore  –  (théâtre)                Mélina Gabler Scénographies à vivre.

Dans leur globalité, les œuvres d’Antonio Cacciatore sont des espaces dans lesquels on peut se plonger, des espaces parallèles, qui deviennent des fenêtres vers un univers immatériel qui nous échappe, mais qui pourtant existe quelque part en nous, quelque part derrière le voile d’une illusion imperceptible.

Je suis Mélina Gabler, je sais où je vais. Et vous ?

English Version

 The world’s thing behind the world. 

Eau-vive huile sur toile, 100cm*73cm 2010 collection particulière
Eau-vive huile sur toile, 100cm*73cm 2010 collection particulière , Antonio Cacciatore – Mélina Gabler, Scénographies à vivre.

It’s in his parisian studio that Antonio Cacciatore invited me to taste Italian dishes cooked by his care for a cool interview.
I was very curious that he tells me his story, that he explains his quest. The atypical course of Antonio Cacciatore is established because this painter began painting late. For a long time, he worked for large companies as a consultant on the other side of the world. As life is well done, some meetings led him to painting and for about 12 years he began painting to explore his inner world.

When we look at his work in its entirety, we realize the presence of some leitmotivs that come back again and again like the Silence. As soon as I look at his paintings, I’m at first stunned bu the silence ! A deep silence projecting me into a place and a time outside of reality. It’s as if I were in fort of a mirror that reflects not my physical image but rather my inner image. What makes me feel that way ?

Défense d'afficher huile sur toile 100cm*73cm 2009
Défense d’afficher huile sur toile 100cm*73cm 2009, par Antonio Cacciatore – Mélina Gabler, Scénographies à vivre.

The artist explains to me that he enjoys manipulating the temporality of his paintings by distorting his images which he paints. Thank to this temporal distortion, it’s impossible for those who look at his images to locate themselves in time or define a particular space, and to reconstruct the thread of a story. Indeed, there is not really a story to tell, the paintings of the artist give to the audience the power to choose the story , to tell them their own story.

“Painting must be universal … I find that a painting which is not universal doesn’t have any sense … it has to have a reason, if it doesn’t, it’s become a decoration.”

As cinema, everything is there, in a single image. His characters are like puppets which he moves to satisfy his eye, his inner intention on which he doesn’t necessarily take.

“The shape is there for the bottom to pass.”

La minute de silence huile sur toiles 195*130 cm 2013
La minute de silence huile sur toiles 195*130 cm 2013, par Antonio Cacciatore – Mélina Gabler, Scénographies à vivre.

The characters are living in the dreamlike landscapes of the painter, without getting in touch with each other. The time that takes place in the paintings is relative to each of the characters, it’s totally personal, unique, it’s the of the Kairos; For the Greeks, it’s the vertical time, the time that every human being feels personally. The silence created by the painter in his compositions, especially with his isolated characters and his huge almost empty spaces, becomes the inner silence of each one. It’s the silence of reflection, of introspection. Characters and spaces raison, we make reason.

The paintings of Antonio Cacciatore are then interior spaces of internal personal questioning, where is the thing, this quantum information, which makes us who we are, and which connects us to the world thanks to the universal energies:

 “This “thing” is in us, it’s hidden in our society of esoteric, religious origin, this thing is a fundamental thing that is part of what we are.”

prima materia huile sur toile 120*120 cm 2010
Prima materia huile sur toile 120*120 cm 2010, par Antonio Cacciatore – Mélina Gabler, Scénographies à vivre.

In their entirety, the works of Antonio Cacciatore are spaces in which we can plunge, parallel spaces, which become windows to an immaterial universe which escapes us, but which nevertheless exists somewhere in us, somewhere behind the veil an imperceptible illusion.

I’m Melina Gabler, I know where I’m going.What about you ?


BONUS ! 

Pour les gourmands ! Une partie de sa série « Women Power » :

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Quand l’Art s’invite dans les écoles !

Je vous ai déjà parlé de la belle Besharat galerie de Barbizon, mais je ne vous ai pas encore parlé du beau projet que porte le propriétaire depuis quelques temps. 
Pour rappel, Monsieur Massoud Besharat est le directeur de la Besharat Arts Foundation qui a pour objectif premier de promouvoir et aider les artistes vivants. 
Il a commencé à apporter son aide dans sa première galerie en Géorgie (USA) à Atlanta et a poursuivi il y a cinq ans en France, à Barbizon.

Depuis un an Monsieur Besharat souhaite également rendre accessible et quotidien l’art aux plus jeunes pour développer leur empathie envers les autres. 
Il a appelé ce projet  » Art at School  » ;  » de l’Art dans les écoles « .
En effet, la Besharat Arts Foundation considère que l’art est un élément primordial et enrichissant dans le développement moral de l’enfant.

C’est pour cela qu’il souhaite donner la possibilité aux jeunes élèves de s’habituer au contact d’un art qui véhicule des valeurs de beauté et de sagesse pour amplifier leur compassion et leur empathie, ainsi que celui des enseignants et des parents. 
Grace à la force évocatrice de l’art qui provoque des réactions émotionnelles, il devient plus simple et naturel de prendre du recul sur le monde dans lequel nous vivons.

La philosophie de la fondation est que la vie que nous recevons est un pur hasard. En effet, nous n’avons pas forcement  la même vie, la même couleur de peau ni les mêmes croyances, nous ne parlons pas la même langue …. etc ; pourtant nous avons tous les mêmes besoins fondamentaux qui nous permettent de vivre (respirer, manger, accéder à des soins médicaux … etc), nous ressentons tous le besoin de vivre heureux dans un environnement paisible et sain. 
La seule différence est la chance que nous avons eu de naitre dans un lieu qui répond plus ou moins à nos besoins fondamentaux de vie et d’épanouissement.

Les aspirations de la fondation vont donc au-delàs d’un enrichissement intellectuel ainsi qu’esthétique et tendent à faire naitre une réflexion et un questionnement sur la condition humaine en général.

La Fondation débute son projet en proposant d’installer des photographies d’enfants de Steve McCurry, le célèbre photographe-reporter qui a fait le tour du monde pour « conter » les histoires d’hommes, de femmes et d’enfants que le hasard a placé dans des pays aux conditions de vie bien éloignées de nos sociétés occidentales. Au travers du travail du photographe portant sur des portraits d’enfants, les attentions de la Fondation d’éveiller l’empathie des élèves n’en sont alors que plus renforcées.

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C’est à la fin de l’année 2018 que la Besharat Arts Foundation a installé plus de 100 œuvres dans les écoles primaires, élémentaires et intermédiaires du comté d’Elberton en Géorgie (USA) grâce aux équipes éducatives qui se sont appropriés le projet pour enrichir leur contenu pédagogique.

Actuellement, la Fondation a installé les photographies de Steve McCurry dans l’école Jean-François Millet de Barbizon et est en train de travailler avec de nouvelles écoles de Seine-et-Marne.

 

 

Les premières réactions sont déjà très positives et vont dans le sens des espérances de la fondation comme en témoignent les premiers retours d’élève:  » Je pense aussi que Steve McCurry a pris ces photos dans des lieux insalubres pour montrer que vous pouvez toujours trouver de la lumière dans l’obscurité.  « Colman – USA.
« Grâce à cette photo, j’ai commencé à apprécier la culture et les traditions à un niveau supérieur. J’aimerais remercier Steve McCurry pour la création d’un tel chef-d’œuvre collectif qui a changé la vision des gens sur eux-mêmes et sur les autres. »
Zhao – USA

Je suis Mélina Gabler, je sais où je vais. Et vous ?


When Art comes to School !

I’ve already talked to you about the beautiful Besharat gallery Barbizon.
The Gallery is part of the Besharat Art Foundation, and is managed by the proprietor Mr.Massoud Besharat.
One of the Foundation’s objectives is to promote visual art, mainly painting, by assisting international artists to produce their work in the gallery premises for their beauty and emotional power.
The resident artists initiative was first implemented  in Atlanta, Georgia (USA) where Mr. Besharat had established his first art gallery and then it was done in the Barbizon gallery in 2014.

The Besharat Art Foundation has also launched the « Art in School » project to make art more accessible to young people in their everyday schooling.
The project is designed not just to create a much more pleasing spatial surroundings at schools, but more importantly to encourage discussion and debate amongst pupils themselves, and between them and their teachers, concerning their interpretation of and reaction to emotion that the displayed pieces of visual art can create.
The aspiration of the Foundation transcends pupils’s intellectual or aesthetic appreciation of the displayed works ; it intends to give rise to reflecting on and empathizing with the consequences of variations in the conditions of the human existence that the displayed pieces show.

The philosophy of the foundation is that the accident of birth is a random event, and that availability and access to necessities of living such as food, water and shelter is greatly influenced by the chance of birth. life we ​​receive is a pure chance.

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The Foundation will be using work of the world renowned photographer-reporter Steve McCurry, to give a flavor of the life of children around the world whose living conditions are varied and different from ours. It is hoped that the portrait of the children will be a reminder of our good fortune for having been born and raised in a rich part of the world, and reinforces a strong and ever lasting empathy with the less fortunate children in poor parts of the world.

At the end of 2018 the Besharat Arts Foundation displayed 100 portraits in twenty primary elementary and middle schools in the county of Elberton in Georgia (USA).
Currently, the Foundation has displayed Steve McCurry’s photographs in the Jean-François Millet school in Barbizon, ans is in the process of setting up the display in other schools in Seine-et-Marne.

The Foundation regards the early results as encouraging go beyond the expectations of the foundation as evidenced by the first student feedback: « I also think that Steve McCurry took this pictures in unhealthy place to show that you can still find light in the dark. » Colman – USA.
 » Through this photos, I began to appreciate culture and tradition to a higher level. I would like to thank Steve McCurry for creating such a collective masterpiece that has changed people’s view on themselves and others. »
Zhao – USA.

I’m Melina Gabler, I know where I’m going.What about you ?

Derniers souvenirs 2018, l’Italie m’éblouit !

Mes deux dernières expositions 2018 m’ont enchanté.
Elles se sont terminées fin Janvier certes mais, même si j’ai mis le temps, j’avais envie de partager avec vous mes expériences italiennes et puis… les tableaux de Caravage sont tellement magnifiques qu’il aurait été dommage de ne pas en publier quelques-uns…!

L’exposition Caravage à Rome amis et ennemis au musée Jacquemart André était incontournable !
C’était la première fois que j’explorais cet hôtel particulier aujourd’hui institut de France, ancienne demeure du collectionneur d’Édouard Andrés en 1833, collection qui sera perpétuée par sa femme Nélie Jacquemart.
C’est un lieu très agréable qui regorge de nombreuses références culturelles et artistiques de tout temps et de tout lieux.

Judith décapitant Holopherne
Judith décapitant Holopherne par Caravage. Sujet de prédilection du théâtre et de la peinture du XVI ème siècle.  Mythe biblique fréquemment repris dans le milieu artistique de ce sièlce.

Pour la création de cette exposition, le musée Jacquemart André a réussi à rassembler de nombreux tableaux venant de collections et de musées du monde entier (Italie, Russie … etc.).
Grace à ces collaborations, il a été possible de présenter au public le travail de recherche sur la lumière dans les peintres entre la fin du 16èmeet le début du 17ème siècle à Rome.

Les chefs-d’œuvre de Michelangelo Merisi (1571/-1610) dit Caravage côtoient ceux de ses contemporains avec qui il a travaillé, échangé et qui ont enrichi, nourri son travail novateur connu aujourd’hui sous le nom de « clair-obscur »
Ses innovations dans ce domaine ont d’ailleurs donné son nom au courant caravagisme dès le début du XVIIème siècle.

David et Goliath Orazio Borgianni
Orazio Borgianni david et Goliath 

 

Les tableaux de Caravage sont tellement réalistes qu’on pourrait les confondre avec des photographies. Cette impression est dûe au travail des couleurs, de la mise en scène théâtrale de ses compositions mais également à ces personnages.
En effet, ses personnages ont les caractéristiques des modèles qu’il peint et non plus forcément des personnages, des symboles qu’il est censé représenter.

Caravage est devenu Caravage à Rome et grâce à Rome qui est à cet instant d’une grande effervescence culturelle et artistique.
Il est donc facile d’imagine l’épreuve que cela a pu être pour Caravage de devoir quitter la ville dans laquelle il s’est accompli en tant qu’artiste.
En effet, après avoir assassiné un homme de lors d’une rixe en 1606, Caravage est banni de la ville. Le peintre va alors mener une vie d’errance, en attendant la mort qui l’emportera quelques années après.
Parfois le Bannissement est une sentence bien pire que la mort et ce n’est pas Roméo qui dira le contraire… !

 


Si je suis allée à l’exposition Éblouissante Venise au Grand Palais, c’est un peu par hasard. Initialement, je voulais aller faire un tour de piste à la patinoire installée en fin d’année dans ce superbe lieu, mais j’ai oublié mes gants ! Alors, au lieu d’aller faire du patinage, j’ai passé mes dernières heures de 2018 à me balader dans la Venise du XVIII siècle.
Ce fut un voyage dans le temps spectaculaire : architectures, costumes, théâtre, fêtes officielles et officieuses, commerce, musique, opéra, peintre … une vie riche et dynamique en perpétuelle évolution, ouverte au monde et à la culture.
Grace à la scénographie proposée pour cette exposition, on peut se rendre compte que l’Art et le Beau étaient présents partout et faisaient partie de la vie quotidienne des Vénitiens.

Ces références italiennes qui m’ont fait du pied en fin d’année confirment mon envie d’aller découvrir l’Italie par moi-même.

Un voyage initiatique artistique à Rome cet été serait alors le bienvenu …

Je suis Mélina Gabler, je sais où je vais (à Rome cette fois-ci !).
Et vous ?

*Tableau à la une : Scène de carnaval ou le Menuet de Giandomenico TIEPOLO (1727-1804)


English version

Last 2018’s memories, Italy dazzles me !

Saint-Jérôme
Saint Jérôme écrivant, vers 1605, Caravage

I have been delighted by my last two exhibitions 2018.
They ended at the end of January, but even if I took my time, I wanted to share with you my Italian experiences and… Caravaggio’s paintings are so beautiful that it would have been a shame not to publish some of them …!

 The exhibition Caravaggio in Rome friends and enemiesat the museum Jacquemart André was a must!
It was the first time I explored this mansion, today institute of France, former home of the collector of Edouard Andrés in 1833, which will be perpetuated by his wife, Nélie Jacquemart. It is a very pleasant place full of many cultural and artistic references of any time and any place.
For the creation of this exhibition, the museum Jacquemart André has managed to collect many paintings from collections and museums around the world (Italy, Russia … etc.).
Thanks to these collaborations, it was possible to present to the public the work of research on the light in the painters between the end of the 16th and the beginning of the 17th century in Rome.


The masterpieces of Michelangelo Merisi said “Caravaggio” (1571 / -1610) rub shoulders with those of his contemporaries with whom he worked, exchanged and enriched, nourished his innovative work known today as « chiaroscuro » « .
Its innovations in this field have also given it’s name to the caravaggio trend from the early seventeenth century.
Caravaggio’s paintings are so realistic that they could be confused with photographs. This impression is due to the work of the colors, the theatrical staging of his compositions but also to these characters. Indeed, his characters have the characteristics of the models he paints and not necessarily characters, symbols he is supposed to represent.

Caravaggio became Caravaggio in Rome and thanks to Rome which is at this moment of great cultural and artistic effervescence.

It is easy to imagine how hard it may have been for Caravaggio to have to leave the city where he became an artist. Indeed, after killing a man during a brawl in 1606, Caravaggio is banned from the city. The painter will then lead a life of wandering, waiting for death that will prevail a few years later. Sometimes the Banishment is a sentence much worse than death and it is not Romeo who will say otherwise …!

EV3

If I went to the exhibition Dazzling Veniceat the Grand Palais, it’s a bit by chance. Initially, I wanted to go for a run at the rink installed at the end of the year in this beautiful place, but I forgot my gloves! So, instead of going skating, I spent my last hours of 2018 walking in Venice of the XVIII century. It was a spectacular journey through time: architecture, costumes, theater, official and informal festivals, trade, music, opera, painter … a rich and dynamic life in perpetual evolution, open to the world and culture. Thanks to the scenography proposed for this exhibition, we can see that Art and Beauty were present everywhere and were part of the daily life of the Venetians.

These Italian references that made me feel at the end of the year confirm my desire to discover Italy by myself.
So, an artistic initiation trip to Rome this summer would be welcome …

I’m Melina Gabler, I know where I’m going (to Rome this time !).
What about you ?

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Le Ridotto du Palazzo Dandolo par Francesco Guardi (1712-1793)

Test créatif; un rêve qui prend vie

En parlant avec différents artistes, j’ai pu noter qu’ils ont une quête intérieure qui les pousse à avancer.
Même si cette quête n’est pas précise pour tous, les artistes explorent, questionnent, doutent, essayent, osent, reculent, sautent … ils sont en chemin, ils sont sur leur chemin.
Cette quête, ils l’expriment au travers de leurs œuvres d’art : ils partagent, exposent et créent un dialogue avec les personnes qui s’arrêtent sur ce qu’ils font.
Dans ce contexte, l’art devient un moyen de transmettre, de ressentir et de réfléchir ensemble. L’art permet également de développer la créativité et la capacité à s’adapter au monde qui l’entoure en établissant un lien avec et vers l’autre.
Comme beaucoup d’entre vous, je suis moi-même en quête et mon projet artistique est l’un des médiums que j’ai choisis pour avancer sur mon propre chemin.

Je vous l’ai déjà dit, je ne sais jamais comment commencer ; et toute cette petite introduction pour vous parler un peu plus concrètement de mon projet. Vous souvenez-vous,  dans mon tout premier article, je vous en avez parlé.

L’objectif premier de mon projet était de rassembler les artistes et les visiteurs autour d’histoires pour qu’ils puissent vivre ensemble une nouvelle expérience et qu’ils puissent communiquer au-delà des mots, grâce aux émotions.
J’avais le besoin de trouver une forme qui permettait de se nourrir des uns et des autres au travers d’une expérience commune.

En effet, je pense vraiment que, qu’on le veuille ou non, pour avancer sur notre chemin intérieur, nous avons besoin des autres. Cela ne veut pas dire que nous sommes dépendants d’eux, ou que sans les autres nous ne pourrions pas avancer seul ; mais, nous allons tellement plus loin avec les autres ! Nous vivons tellement plus fort !

Cela fait alors un peu plus d’un an que je travaille donc sur un nouveau concept artistique pour rendre cette forme d’échange possible.
En Décembre 2018 j’ai pu expérimenter pour la première fois ce nouveau concept artistique.
Cette première expérimentation m’a beaucoup appris et permet à mon projet de franchir une nouvelle étape dans sa réalisation.
Je suis contente de pouvoir partager avec vous quelques photos, témoins de ma « première fois ».

C’est donc le cœur rempli de reconnaissance et de joie qu’en ce début 2019, je voudrais remercier toutes les merveilleuses personnes que j’ai rencontrées, toutes celles avec qui j’ai partagées une partie de ma quête, qui m’ont aidées et qui continues à m’aider dans la réalisation de mon projet.

Je suis Mélina Gabler, je sais où je vais. Et vous ?

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Comédiens (de droite à gauche) :  Alice Renou , Sébastien Thevenet  et Massoud Besharat .

English version

Creative test ; A dream that is coming to life

Speaking with different artists, I noticed that they have an inner quest that drives them forward.

Even if this quest is not precise for all, artists explore, question, doubt, try, dare, retreat, jump … they are on their way, they are on their own unique way.

This quest, they express it through their works of art: they share, expose and create a dialogue with people who watch their network.
In this context, art becomes a means of transmitting, feeling and thinking. Art also helps to develop creativity and the ability to adapt to the world that surrounds itself by establishing a link with and towards the people.
Like many of you, I am on my own, and my art project is one of the mediums that I chose to advance on my own path.

I have already told you, I never know how to begin; and all this entire introduction to talk a little more concretely about my project. Remember, in my very first article, I told you about it.
The main goal of my project was to bring together artists and visitors around stories so that they can live together a new experience and they can communicate beyond words, thanks to emotions.
I needed to find a form that allowed us to feed each other through a common experience.
Indeed, I really think that, whether we like it or not, to move on our inner path, we need others. This does not mean that we are dependent on them or that without the others we could not go forward alone; but we go so much further with others! We live so much stronger!

It’s been a little over a year since I’m working on a new artistic concept to make this form possible.
In December 2018 I was able to experience for the first time this new artistic concept.
This first experiment has taught me a lot and allowed my project to take a new step in its realization.

It is therefore with the heart full of gratitude and joy that at the beginning of this year 2019, I would like to thank all the wonderful people I met, all those with whom I shared part of my quest, who have helped me and continue to help me in the realization of my project.

I’m Melina Gabler and I know where I’m going. What about you ?

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Un point et le rêve commence . . .

Pour ce nouvel article, je vais vous présenter une artiste peintre que j’aime beaucoup : Oriane BIANGONGA.
Vous devez l’avoir remarqué maintenant, ma quête à moi c’est l’histoire des artistes et surtout celle de leurs œuvres. J’ai alors demandé à OrianeBIANGONGA qu’elle était l’histoire de ses œuvres.

Au commencement, il y a le point m’explique-t-elle.
La jeune artiste dessine depuis son plus jeune âge d’une manière automatique en utilisant lepoint. Elle se plonge alors dans un rêve éveillé…
Elle navigue ainsi entre le conscient et l’inconscient. C’est une manière d’être attentif « en soi ; autour de soi, à l’infini » dit-elle.

Ses œuvres peintes, ses « rêves » comme elle les nommes, sont récents.
Son premier rêve est né en 2016.
Pour ses rêves peints, elle commence toujours par la matière.
Elle confectionne elle-même un mélange formant une matière granuleuse, qui peut être lissée.Cette matière lui permet de retrouver le point, qui pour elle, est le battement de cœur essentiel à la vie, à son rythme intérieur. Ses rêves vont petit à petit prendre vie en fonction des couches de peinture qui vont révéler ses points tel de l’encre qu’on verse sur des milliers de grains de sel.
Sans impliquer sa conscience, uniquement avec ses ressentis, son rêve prend vie sous ses yeux.
«[…] je vis le rêve, en même temps que je le crée[…] »

Pour ses rêves, l’artiste utilise bien souvent du bleu. Pourquoi le bleu lui ai-je demandé.
Oriane Biangonga m’explique alors que le bleu est une couleur qui accueille toutes les couleurs, toutes les émotions et sensations. Le bleu est pour elle « un océan qui te dépasse, accueille tous les points de différentes couleurs. »

Et d’où viennent ses rêves, qu’est-ce qui donne vie aux points ?
« […] je fais ça pour vivre, dans le sens pour vibrer [… ] C’est une nécessité, un besoin, une urgence, […] c’est une entrée, une porte d’entrée vers l’infinie, vers quelque chose qui me dépasse. Quand je peins, je me sens pleinement réceptive à l’instants, tout me paraît juste et beau  […] Dans mes tableaux je perçois de nombreuses créatures, des êtres, et des esprits. Pour moi, ils sont vivants … »
Les rêves de l’artiste sont donc vivants. D’ailleurs, l’artiste fait un parallèle entre ses tableaux et les plantes, et plus généralement la nature : J’aime le fait qu’ils soient sensibles à la lumière […]dit-elle.

rêve de fusion
rêve de fusion

Une fois le rêve sorti d’elle-même, l’artiste le laisse vivre sa propre histoire : « […] je suis très contente qu’ils aient une nouvelle vie ailleurs. »
Bien souvent, la « vie ailleurs » de ses tableaux se fait dans des familles d’accueils qui sont, intimement connectés à l’univers intérieur d’Oriane Biangonga.
Par exemple, l’une de ses dernières clientes, une musicienne lui a confié « j’ai rêvé de ton tableau ».
Cette musicienne a ressenti le rythme qu’on retrouve dans les tableaux de l’artiste.
Ce rythme interne que la jeune peintreexprimedans ses rêves fait écho à sa pratique du piano depuis l’âge de 6 anset son parcours au sein du conservatoire de musique de Savigny-le-Temple où elle a obtenu le Certificat de Fin d’Année Musicale (CFEM) mention Très Bien en 2007.

Pour l’heure je ne vous en dis pas plus sur les rêves d’Oriane Biangonga et sur l’aventure que j’ai vécuavec eux afin de vous laisser la place de vous raconter votre propre histoire et vivre une expérience personnelle et unique.

Je vous invite alors à faire se croiser vos rêves et ceux de cette jeune et talentueuse artiste au Marché de la Création Paris Montparnasse tous les dimanches !

Je suis Mélina Gabler, je sais où je vais. Et vous ?


English version

OB

A dot and the dream begins . . .

For this new article, I will introduce you to a painter which I like very much: Oriane BIANGONGA.

It was over a Viennese chocolate that we talked a lot about her work.
You probably have noticed by now, that my own quest is about the story of artists and especially about their works. So, I asked Oriane BIANGONGA what was the story of her work.

At the beginning, there is the dot she explains to me.
The young artist started to draw when she was very young, in an automatic way using the dot.
Then, she plunges into a waking dream … So, she navigates between the conscious and the unconscious. It is a way of being attentive « … in itself; around you, to infinity… « she says.

Détail Rêve de métamorphose
rêve de métamorphose

Her painted works, her « dreams » as she calls them, are recent.

Her first dream was born in 2016.
For her painted dreams, she always starts with the matter.
She makes herself a mixture which is forming a granular matter, which can be smoothed out.
This matter allows her to recover the dot, which for her is the heartbeat essential to life, to her inner rhythm. Her dreams will gradually come to life depending on the layers of paint that will reveal its points as ink that is poured on thousands of grains of salt.

Without involving her conscience, only with her feelings, her dream comes to life before her eyes.
 » […]I live the dream, at the same time that I create it […]  »

For her dreams, the artist often uses blue. “Why the blue?” I asked her.
Oriane Biangonga explained to me that blue is a color that welcomes all colors, all emotions and sensations.
Blue is for her, « an ocean that exceeds you, welcomes all dots of different colors.”

And where do her dreams come from, what brings the dots to life?
« […]I do that to live, in a way to vibrate.[…]It was a necessity, a need, an urgency, what to do […]it’s an entrance, a gateway to the infinite to something that is beyond me, when I paint, I really feel myself, I feel myself fully and completely. […]it’s my happiness. It also helps me to navigate into my imagination, I see in my paintings many creatures, beings, spirits. For me they are alive […] »

Rêve d'élévation
rêve d’élévation

The artist’s dreams are therefore alive. Moreover, the artist draws a parallel between her paintings and plants, and more generally nature: “ I like the fact that they are sensitive to light […]”she said.
Once the dream comes out of itself, the artist lets the paintings live their own story: « […]I am very happy that they have a new life elsewhere.  »

Often, the « life elsewhere » of his paintings is done in host families who are connected in a intimate way to Oriane Biangonga’s inner world.
For example, one of her last clients, a musician, told her « I dreamed of your painting ». This musician has felt the rhythm found in the paintings of the artist. This internal rhythm that the young painter expresses in her dreams echoes her practice of the piano since the age of 6 and her career in the music conservatory of Savigny-le-Temple where she obtained the Certificate of Completion, music year (CFEM) with honors in 2007.

For now, I do not tell you more about Oriane Biangonga’s dreams and the adventure that I lived with them to give you the space to tell you your own story and live a personal and unique experience.

I invite you to cross your dreams and those of this young and talented artist at the Paris Montparnasse Creative Market every Sunday!

I’m Melina Gabler, I know where I’m going. What about you ? 

 

Alphonse Mucha, l’Art de réunir

 En cette période froide et pétillante, j’avais envie de partager ma belle expérience vécue au musée du LUXEMBOURGParis.
Depuis début septembre et jusqu’au 27 Janvier 2019, il est possible d’aller se délecter des œuvres d’Alphonse MUCHA.

Tout le monde connait cet affichiste Tchèque né en1860.
Même si vous n’arrivez pas à mettre un nom sur ses œuvres, vous en avez forcement déjà croisé une.
Grâce à cette exposition, j’ai découvert qu’Alphonse MUCHA est bien plus qu’un affichiste. C’est un artiste aux talents multiples qui a un univers unique et riche.

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Après une formation académique dans son pays, le jeune Alphonse fait des illustrations pour des magazines satiriques de son pays et décore des auditoriums où on vient prendre la parole en faveur de l’indépendance de son pays.
En arrivant à Paris, il va commencer à suivre des cours académiques.

Cependant, il sera bientôt obligé de faire des gravures pour illustrer des ouvrages littéraires et des revues afin subvenir à ses besoins.
Lors de cette période compliquée, il va devenir ami avec Paul GAUGUIN et August STRINDBERG, ses voisins parisiens.
Riche des échanges philosophiques provoqués par l’amitié, et à l’influence théosophique et occulte de STRINDBERG, MUCHA va développer une philosophie de vie mystique. Il est alors persuadé que des forces mystiques habitent chacun d’entre nous.

Il se rendra au Grand Orient de France, lieu de rencontre de prédilection de la franc-maçonnerieà cette époque.
Les grands principes de ces derniers font échos à MUCHA : « amélioration de l’humanité », « conscience de liberté » et leurs vertus pour y arriver : « beauté, vérité et amour ». Il deviendra l’un de leur membre.
MUCHA est persuadé que l’Art peut réunir les hommes autour d’une vérité universelle qui permettrait le progrès de l’humanité et le maintien de la paix dans le monde.

Alphonse MUCHA deviendra célèbre grâce à sa rencontre avec la grande Sarah BERNHARDT.Elle commence par lui demander de faire l’affiche la pièce Gismondaen 1895. Elle adore, et le public aussi. MUCHA fera dorénavant les affiches théâtrales de Sarah BERNHARDT :  LorenzaccioLa Dame aux camélias et pleins d’autres.
Il va même faire certaines conceptions de décors et des costumes !

MUCHA

Le travail de MUCHA ce sont des jeunes femmes, un thème floral, des lignes ornementales, une gamme de tons pastels et une inspiration des arts venant des cultures du monde entier (Asie ; pays Slaves ; Europe).
Lui qui pense que l’art a le pouvoir de réunir les Hommes, s’est donc nourrit de la diversité de l’Humanité. Il y a dans ses œuvres ce supplément d’âme qui permet au public de ressentir des émotions et de se raconter des histoires.

Très rapidement, on va faire appel à MUCHA et à son talent pour des affiches publicitaires :
Georges Fouquet, pour moderniser et renouveler l’image de ses bijoux va lui demander de re-décorer sa boutique et de créer des de bijoux.
MUCHA fera également parti de l’Exposition Universelle de Paris en 1900 au travers de nombreux projets.

boutique Fouquet redécorée par MUCHA photographie
Intérieur de la bijouterie de Georges Fouquet par A.MUCHA

En résumé, MUCHA et son œuvre sont partout. Il a investi la vie quotidienne des européens : affiches, bijoux, éventails, assiettes, vases …
Il est impossible de dissocier MUCHA de l’art décoratif, l’art nouveau qui caractérisent le 19èmesiècle.

MUCHA retourne chez lui et travaille sur un gros projet qui va lui prendre plusieurs années d’élaboration :l’Épopée slave en 1910 composée d’une série de 22 tableaux grands formats.
Cette œuvre se voulait pour regagner l’indépendance de son pays.
Il meurt le 14 juillet 1939 à Prague après avoir était arrêté par la Gestapo.

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Après la bataille de Grunewald de A.MUCHA, 1924

J’adorais les affiches de MUCHA, maintenant je suis fascinée par cet artiste ! Il a réussi à « scénographier » son œuvre en diffusant son univers et son histoire dans le mode de vie de tout un siècle.

Si ce n’est pas déjà fait, je ne peux que vous inciter à aller voir cette exposition pour découvrir par vous-même de nombreuses facettes du célèbre et inoubliable Alphonse MUCHA.

Je suis Mélina Gabler, je sais où je vais. Et vous ?


English version

Alphonse Mucha, Art to bring together

In this cold and sparkling period, I wanted to share my beautiful experience in the museum of LUXEMBOURG Paris.
From the beginning of September until 27thof January 2019, it is possible to go and enjoy the works of Alphonse MUCHA.

Everyone knows this Czech poster born in 1860. Even if you can’t put a name on his works, you have already crossed one.Thanks to this exhibition, I discovered that Alphonse MUCHA is much more than a poster artist. He is a multi-talented artist with a unique and rich universe.

After an academic training in his country, the young Alphonse makes illustrations for satirical magazines of his country and decorates auditoriums where one comes to speak in favor of the independence of his country. Arriving in Paris, he will start taking academic courses.

However, he will soon be forced to make engravings to illustrate literary works and magazines to meet his needs.During this complicated period, he will become friend with Paul GAUGUIN and August STRINDBERG, his Parisian neighbors.
Rich in philosophical exchanges brought by friendship, and to the theosophical and occult influence of STRINDBERG, MUCHA will develop a mystical life philosophy. He is convinced that mystical forces inhabit each of us.

 

He will visit the Grand Orient of France, the favorite meeting place of Freemasonry at this time.The great principles of the latter echo MUCHA: « improvement of humanity », « consciousness of freedom » and their virtues to get there: « beauty, truth and love ».
He will become one of them. MUCHA is convinced that Art can bring men together around a universal truth that would allow the progress of humanity and the maintenance of peace in the world.

Alphonse MUCHA will become famous thanks to his meeting with the great Sarah BERNHARDT. She begins by asking him to do the Gismondaen’s poster 1895. She adores it, and so does the public. MUCHA will now make Sarah BERNHARDT’s theatrical posters: Lorenzaccio, The Lady with Camellias and many others.He’ll even do some decorating designs and costumes!

The work of MUCHA is young women, floral themes, ornamental lines, a range of pastel shades and an inspiration of the arts from cultures around the world (Asia, Slavic countries, Europe). He who thinks that art has the power to bring people together, has therefore nourished the diversity of humanity. In his works, there is this extra soul that allows the audience to feel emotions and tell stories.

Very quickly, we will call on MUCHA and his talent for advertising posters:Georges Fouquet, to modernize and renew the image of his jewelry will ask him to re-decorate his shop and create jewelry. MUCHA will also be part of the Universal Exhibition of Paris in 1900 through many projects.

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Bijoux dessinés par Mucha

To sum up, MUCHA and his work are everywhere. He has invested the daily life of Europeans: posters, jewels, fans, plates, vases …
It is impossible to dissociate MUCHA from the decorative art, the new art that characterize the 19th century.

MUCHA goes home and works on a big project that will take several years of development: the Slavic Epic in 1910 consists of a series of 22 large format paintings.This work was intended to regain the independence of his country.He died on 14 July 1939 in Prague after being arrested by the Gestapo.

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La vierge des Lys 1905 par Mucha

I loved the posters of MUCHA, now I am fascinated by this artist! He managed to « stage » his work by spreading his world and his story in the lifestyle of a century.

If it’s not already done, I can only encourage you to go see this exhibition to discover for yourself many facets of the famous and unforgettable Alphonse MUCHA.

I’m Melina Gabler, I know where I’m going. What about you ?